Interview: Ettore Molinario

Qu’est-ce qui vous a conduit à collectionner de la photographie ?

« Mon intérêt pour la photographie s’est développé de manière assez spontanée. Au départ, j’achetais des œuvres par plaisir, sans véritable intention. Mes choix étaient intuitifs, guidés par ce qui m’attirait.

Avec le temps, j’ai compris que les images vers lesquelles je me tournais formaient une sorte de miroir. Chaque œuvre reflète une part de mon identité, de ma personnalité, l’évolution de mon regard esthétique ainsi que ma manière de percevoir les transformations de la société.

Un moment décisif a été la découverte d’une photographie de Joel-Peter Witkin (Man with dog, 1990), qui m’a profondément marqué. Cette rencontre m’a conduit à réfléchir davantage au sens de mes acquisitions et à orienter progressivement ma collection vers des questions liées à l’identité.

Je considère que collectionner est un processus profondément personnel : une collection se construit dans le temps et, en fin de compte, refléter la personnalité et l’évolution de vie du collectionneur. »

Pierre-Louis Pierson, Scherzo di Follia (The Countess of Castiglione), 1863 ca. – Courtesy of James Hyman Gallery & Collezione Ettore Molinario

Peter Hujar, Ethyl Eichelberger as Auntie Belle Emme, 1979 – Courtesy of Mai 36 Galerie, The Peter Hujar Archive  & Ettore Molinario Collection

Quels types de photographies collectionnez-vous et y a-t-il des thèmes récurrents dans votre collection ?

« Ma collection explore le concept d’identité dans toute sa complexité, à travers des perspectives différentes mais interconnectées. L’un des fils conducteurs est la tension entre la vie et la mort, ou entre Éros et Thanatos, qui renvoie à l’équilibre fragile entre création et autodestruction dans la construction de soi. Un autre axe est celui d’une identité neutre, pensée comme un état de suspension et de fluidité.

La collection explore également le fétichisme, où désir et identité se projettent sur des objets ou des images, ainsi que la mélancolie, comprise comme un sentiment d’absence ou de perte qui façonne la perception de soi. Enfin, la notion d’ « inquiétante étrangeté » apparaît dans des images à la fois familières et troublantes.

Tous ces thèmes se manifestent dans des photographies allant du milieu du XIXe siècle à nos jours, couvrant un large éventail de techniques et de contextes culturels, et comprenant des œuvres d’artistes de renommée internationale ainsi que d’auteurs moins connus et de photographes anonymes.»

Pourriez-vous nous parler d’une œuvre particulière de votre collection ?

« L’une des œuvres les plus importantes de ma collection est Autoportrait au chat de Claude Cahun, réalisé en 1927. Cette photographie explore la question de la dualité de genre.

Le chat, figure récurrente chez Cahun, symbolise un seuil entre le visible et l’invisible, incarnant une forme de dualité permanente.

J’ai découvert cette photographie peu avant sa mise en vente chez Sotheby’s à Paris. Malgré son format très réduit, elle m’a immédiatement frappé par son intensité, dégageant une force presque magnétique, à la fois fascinante et troublante.

Sa provenance renforçait encore son intérêt : elle provenait de la collection Foujita-Desnos et avait très probablement été offerte par Cahun au poète surréaliste Robert Desnos, qui l’aurait ensuite transmise à sa compagne.

Lors de la vente, j’ai eu le sentiment que son importance n’était pas encore pleinement perçue. J’ai suivi mon intuition et suis finalement parvenu à acquérir l’œuvre, un moment rare où l’on reconnaît la force d’une image avant qu’elle ne s’impose sur le marché. »